PRISONS CONTEMPORAINES, OUVRIR L’ARCHITECTURE FERMÉE / ARCHISTORM #88

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L’URBANISME DU XXIe SIÈCLE CIVILISER LA VILLE, SI POSSIBLE ET SANS ILLUSIONS / ARCHISTORM #92

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L’architecture du XXIe siècle peut-elle réinventer l’école ? / ArchiStorm #90

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James Casebere – ‘Emotional Architecture’

Emotional Architecture
MARCH 1 – APRIL 14, 2018
GALERIE TEMPLON, BRUSSELS

À Bruxelles, la Galerie Templon dévoile une série inédite du photographe américain James Casebere : Emotional Architecture.

Inspirée par l’œuvre de l’un des plus célèbres architectes mexicain: Luis Barragán, ce nouvel ensemble poursuit la réflexion de James Casebere sur les espaces architecturaux et la maison perçus comme métaphores de notre société.

Chaque photographie est le fruit d’un minutieux travail d’atelier, qui démarre avec la construction de maquettes et s’achève avec de complexes mises en lumière. Commentaires poétiques et politiques, ses œuvres ne renvoient jamais à une réalité clairement identifiable. En nous faisant méditer sur un monde de modèles réduits, l’artiste révèle notre vulnérabilité.

©James Casebere

©James Casebere

©James Casebere

©James Casebere

©James Casebere

American photographer James Casebere uses his new series, Emotional Architecture, inspired by the work of one of Mexico’s most famous architects, Luis Barragán, to continue to explore the notion of architectural spaces and the house as metaphors for our society.

Each photograph is the result of a painstaking working process in the studio : James Casebere starts by building scale models and finishes by designing complex lighting. His works are poetical and political comments that never evoke a clearly identifiable reality. By encouraging us to reflect on a world made of scale models, the artist reveals our vulnerability.

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Prisons contemporaines ouvrir l’architecture fermée / BLOCKBUSTER, archiSTORM 87#

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Pour trois terriens sur dix

Camp Yézidi en plein Erbil – Irak

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Move on ! Les voeux de Paul Ardenne

Après cinq ans de travail comme conseiller culturel à Analix Forever, je suis heureux de souhaiter aux artistes, à Barbara Polla et à la galerie une excellente suite avec leur nouveau conseiller culturel – et poétique – Frank Smith.

La galerie Analix Forever me semble être un prototype de ce que vont devenir les galeries d’art, à savoir des lieux et des structures qui ne soient pas seulement des espaces marchands, mais aussi des espaces de rencontres entre artistes, entre artistes et collectionneurs, entre artistes et historiens de l’art, écrivains, critiques d’art, commissaires.

Analix Forever – et d’autres galeries – sont aussi des espaces de compensation où se réalise au quotidien une promotion des arts vivants qui n’est pas assez, ou plus, faite par les institutions.

Ce qui m’a le plus intéressé à Analix Forever c’est le refus de l’art patrimonial – non pas par refus du patrimoine, mais au nom du fait qu’il y a incontestablement depuis trente ans un manque à combler en matière de mise en vue de jeunes artistes internationaux.

Ce qui est très intéressant c’est le pied à l’étrier qui est mis par Analix Forever à des jeunes artistes qui n’ont jamais exposé – avec tous les risques qui vont avec, risque de mévente notamment et, plus problématique encore, le risque de dissolution de l’image de la galerie, qui ne peut pas s’accrocher à deux trois noms qui font signature et publicité.

Mais le point le plus important est, incontestablement, la capacité de cette structure à développer des PROJETS culturels, en lien avec la création contemporaine, mais qui portent au delà de celle ci – tel le projet qui fut consacré à l’Architecture émotionnelle – et, dans son cadre, pour modeste qu’il soit, de contribuer à l’expansion culturelle.

J’ai eu beaucoup de plaisir à participer au cycle de valorisation de l’art vidéo, VIDEO FOREVER (et de poursuivre d’ailleurs cette participation, selon les thèmes abordés), une initiative qui constitue une expérience unique en son genre de valorisation de la création vidéographique contemporaine, avec un très haut niveau d’exigence académique, toujours.

Alors, MOVE ON ! BEST WISHES pour 2017 et au-delà !

 

Paul et Barbara aux Photaumnales de Beauvais.

 

After five years as the Cultural Advisor at Analix Forever, I am pleased to wish the artists, Barbara Polla and the gallery an excellent continuation along with their new cultural and poetic advisor, Frank Smith.

For me, Analix Forever Gallery is a prototype of what will become art galleries: spaces and structures that are not merely trading spaces, but also spaces for encounters between artists, artists and collectors, artists and art historians, writers, art critics and curators.

Analix Forever – and other galleries – are also spaces dedicated to the promotion of living arts, thus to compensate for a mission institutions are too often neglecting nowadays.

What has interested me the most at Analix Forever is that it has always left aside “heritage art” – not because of a rejection of heritage itself, but because of the undeniable fact that over the last 30 years, there has been a lack of promotion of young international artists.

What is very interesting is that the gallery gives a leg up and a chance to young artists who have never made exhibitions before – with all the risks that come with such decisions: possible financial issues, and even more problematic, the risk of dissolving the gallery’s image, when it does not rely on two or three so-called “big names” for its signature and recognition.

But the most important point is undoubtedly the capacity of this structure to develop cultural PROJECTS linked to contemporary creation, going even further from it – like the project devoted to Emotional Architecture which contributed, even within its modest framework, to cultural expansion.

It was a great pleasure to take part in VIDEO FOREVER, a cycle of video screenings and I will continue to do so according to the selected themes. VIDEO FOREVER, in its own style, represents a unique experiment, an initiative aiming to promote the creation by contemporary video artists with a very high level of educational and academic support.

And now, MOVE ON! BEST WISHES for 2017 and beyond!

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15e Biennale d’Architecture de Venise

Lire l’article à paraitre dans archiSTORM #79, en cliquant ici.

La (Jeune) Création aux Grands Voisins

Hommage à Jérémy Chabaud. Depuis des années il porte Jeune Création à bout de bras. L’association Jeune Création (jusqu’en 1999 Jeune Peinture) dont les origines remontent à 1948, se développe aujourd’hui sur plusieurs axes :
*L’organisation d’une exposition annuelle d’envergure regroupant une soixantaine d’artistes, reposant sur un appel à candidature international et dont la commission de sélection est composée, entre autres, d’artistes sélectionnés au cours des années antérieures ;
*Jeune Création anime une galerie permettant aux 10.000 artistes (oui 10.000…) ayant participé à l’aventure Jeune Création depuis 67 ans, d’approfondir leurs échanges ;
*Jeune Création développe aussi de nombreux hors les murs en partenariat avec des collectionneurs, des galeries, des institutions, des associations et des entreprises, permettent de favoriser les réseaux et les rebonds ;
*Jeune Création construit aussi un réseau de résidences en France et à l’étranger, participe à la vie artistique par l’organisation et la participation à des débats, envisage l’animation d’une artothèque et enfin s’engage depuis 2012 dans des actions de médiation et de solidarité dans l’éducation et vers des publics en difficultés.

Jérémy Chabaud (au premier plan) présente Jeune Création aux publics
à l’arrière fond, Évelyne et Jacques Deret, qui soutiennent activement Jeune Création

Jérémy Chabaud, 44 ans, raconte l’aventure, explique les projets, s’enthousiasme et rêve: l’utopie est en marche. Ecoutons-le : « De 2006 à 2012, le seul local de l’association, pour mener l’ensemble de ses activités, était à un petit espace de 35m2 dans le 18ème arrondissement de Paris, rue Villa Guelma puis rue Berthe. Les stocks, l’atelier de production de scénographie, les archives et les locaux administratifs se trouvaient dispersés sur d’autres villes en région parisienne, ce qui entrainait des déperditions de temps, d’énergie et de coûts. Cela empêchait aussi une compréhension et une visibilité de l’ensemble des activités de l’association auprès des publics et des partenaires en masquant son fonctionnement et ses besoins réels. Dès mon élection en décembre 2011 en tant que président de l’association Jeune Création, ma priorité a été de me rapprocher des acteurs institutionnels, associatifs et privés ayant une réflexion sur l’utilisation des bâtiments en friche, afin d’inclure Jeune Création dans une nouvelle manière de concevoir, répartir et faire vivre l’espace public et permettre des échanges entre populations différentes. La rencontre avec l’association Plateau Urbain  en 2012 a été déterminante. Après plusieurs discussions avec eux, fin 2014, l’évocation de l’hôpital Saint-Vincent de Paul est apparu comme une bonne opportunité pour regrouper dans un même lieu l’ensemble des locaux de Jeune Création. Associer Jeune Création au projet des Grands Voisins permettait d’inscrire l’association dans un dispositif original, rassemblant une centaine d’organisations, aux cœurs de métiers variés, et d’ainsi miser sur les rencontres, les émulations à la fois culturelles, sociales, solidaires et politiques que les circulations, dans cet éco-quartier partagé, encouragent. L’objectif pour Jeune Création sur ce nouveau lieu est de penser des locaux modulables, à l’image d’une fabrique non figée, permettant de faire cohabiter de manière successive ou concomitante, un plateau de production, une galerie, des réunions de travail, des workshop et des résidences, des conférences, des actions de solidarités et de formations, etc… À Saint Vincent de Paul, les 600 résidents accueillis par l’association Aurore et des structures diverses, nous obligent avec l’outil Jeune Création, de réfléchir à la manière d’encourager des perméabilités entre différents milieux et parcours de vie en créant des visites médiatisées et des partages de moments. Comment concevoir ensemble et se fixer quelques objectifs communs ? C’est un équilibre sur le fil : il est important de permettre à chacun d’être reconnu à une place qui puisse lui redonner confiance en l’existence et en la cohabitation entre humains. Les considérations esthétiques et artistiques se confrontent ici quotidiennement aux questions existentielles. L’aventure commence à peine et nous sommes très curieux de voir comment les interactions et mutualisations entre populations et structures pourront s’établir et prospérer dans l’intérêt de tous. »

Les artistes, eux, créent. Et rêvent, eux aussi. Sans distinction d’âge. La toute jeune Clara Citron  a investi un atelier, va partir en voyage, se questionne sur l’avenir. Pour 2017, elle a été sélectionnée pour la prochaine exposition (la deuxième) de Jeune Création chez Thaddaeus Ropac. Son travail de fin d’études s’intitule DE/SO/RD/RE. ORDI/NEED/ISOR/DINE n’est pas loin. Vive le désordre !

© Clara Citron

Alix Delmas, elle, travaille encore sur un projet qu’elle souhaite implanter aux Grands Voisins. Take me away…

Jeune Création, pour jeunes et moins jeunes, parle aux Voisins, grands et moins grands.

Texte : Barbara Polla

Place Nelson Mandela, Abdul Rahman Katanani

L’exposition « Le Sens de la Peine » se termine le 28 mai. Mais son histoire continue : La Forêt d’Oliviers d’Abdul Rahman Katanani, que l’on a pu admirer pendant quatre mois sur la Place Nelson Mandela à Nanterre, dans la vitrine de l’Espace d’art de la Terrasse, va partir à Anglet, pour la Biennale « La Littorale 6 ».

Le commissaire de la Biennale, Paul Ardenne, spécialiste de l’art dans l’espace public (voir, entre autres, Un Art contextuel) s’est mis à rêver, comme nous tous, devant cette oeuvre unique. Qui va, grâce aux mairies respectives des deux municipalités, Anglet et Nanterre, quitter la place au nom mythique pour se retrouver à l’intérieur même de la mairie d’Anglet, dans son patio, où elle prendra pour titre : Le Jardin d’Oliviers.

Quand l’art nous parle d’émotions aussi fortes que la paix, l’espoir, l’impuissance, la contrainte, l’envol, la souffrance, la blessure, le rêve, le corps et le coeur battant, de la vie, et ceci dans l’espace public, l’architecture elle-même prend une nouvelle dimension. Mathias Goeritz, dans son Manifeste pour une architecture émotionnelle, écrivait en 1953 : « J’ai travaillé en totale liberté pour réaliser une œuvre dont la fonction serait l’émotion : il s’agit de redonner à l’architecture son statut d’art. » Aujourd’hui que les questionnements intenses de la société occidentale se focalisent autour de l’existence personnelle des humains, l’intérêt porté aux émotions revient en force. Build on your emotion !

Parmi les questions que nous posions au début de cette aventure – Architecture émotionnelle – la plupart restent toujours d’actualité. Quelle architecture privilégier, et pour décliner ou susciter quelles émotions ? Pourquoi et comment explorer, gérer les émotions générées par l’architecture comprise comme forme organisée structurant notre espace de vie ? Peut-il y avoir une architecture qui ne soit pas émotionnelle ? La quête de l’émotion doit-elle ou non guider l’architecte au travail ? L’efficacité d’un bâtiment en termes d’accueil, de confort et d’agrément est-elle concevable sans que soit prise en compte la notion d’émotion ? Peut-on se sentir bien dans des paysages architecturaux neutres ? Trop d’émotion mise dans la conception architecturale en nie-t-elle l’efficacité ? L’architecture de nos villes doit-elle favoriser l’émotionnel à titre de plus-value ?

L’architecture traite d’abord avec nos corps pour les protéger, les malmener parfois. Parce qu’elle est avant tout affaire de vivant. Parce qu’elle est inconcevable sans une concrétisation qui engage un rapport étroit avec l’humain. La « poétique de l’espace » chère à Bachelard rejoint ici une poétique des corps, de leur vécu, de leur construction, en parallèle à la poétique du « construire » – Gaston Bachelard qui écrit dans La Poétique de l’espace que « l’espace saisi par l’imagination ne peut rester l’espace indifférent livré à la mesure et à la réflexion du géomètre. Il est vécu. Et il est vécu, non pas dans sa positivité, mais avec toutes les partialités de l’imagination. »

L’espace de la Terrasse, Place Nelson Mandela, fut vécu ainsi, grâce à La Forêt d’Oliviers d’Abdul Rahman Katanani, avec toutes les partialités de l’imagination.

Texte : Barbara Polla

Photographies : Paul Citron, Nicolas Etchenagucia, Anne Kerner